‘Pure O: Cuando la ayuda está en el interior’

Escrito por Ángel Galindo

Nominada por el premio del gran jurado en el festival South By SouthWest 2024 y actualmente en cartelera en la ciudad de los Angeles, ‘Pure O’ es un denso drama psicológico que termina conectando lentamente a las audiencias con las vivencias de una persona que en medio de su recuperación de un síndrome Obsesivo Compulsivo descubre las fuertes tormentas que la vida da diariamente a todos los seres humanos.

Esta producción, dirigida por Dillon Tucker cuenta la historia de Cooper, un escritor cinematográfico que debido a su síndrome Obsesivo Compulsivo deja a un lado sus sueños creativos para dedicarse a apoyar a un refugio para personas con problemas de adicción mientras apoya a su grupo de terapia, el debe lidiar con sus problemas psicológicos y trata de mantener la calma ante sus pacientes, mientras el falso apoyo de su pareja lo hunde más en sus problemas y los dramas de su entorno comienzan a presionarlo para que solo en el coraje de su propio control de emociones y las terapias de grupo le ayudan a encontrar la claridad que su mente necesita.

Así mientras Cooper va enfrentando sus demonios, su aparente apacible entorno de amor se destruye cuando en el momento más critico de su vida es dejado por su novia y ve como el dolor y las enfermedades de otros agregan más volatilidad a su confundida mente.

Por lo tanto, este drama manejado de manera hiperrealista, con baladas folk americano como banda sonora y diálogos que pasan de lo profundo a lo anodino puede fatigar a los espectadores, también con los minutos y la manera como los personajes secundarios como la joven Rachel que busca salir de su adicción a la heroína o la valiente lucha contra el dolor de la perdida de la madre de su poco confiable novia al ver morir a su esposo de cáncer, le van dando humanidad a la historia y muestran con una fotografía simple que sigue a los personajes en su intimidad, el hecho que estar vivo es un camino el cual transcurre de la dicha infinita a la desolación total en tan solo el sentir de unos segundos. Por consiguiente, este filme semi autobiográfico de Dillon Tucker, quien en algún momento de su vida paso por problemas psicológicos similares a su personaje, logra al final, para los espectadores pacientes, cuestionar sobre si quienes en verdad están al lado son de fiar, si a veces la mejor catarsis es dedicar un tiempo a pensar en otros y sobre todo, deja claro que empezar de nuevo puede ser más medicinal que vivir enfrascado en la permanente expresión de las necesidades humanas. Así que este es un filme altamente recomendado para aquellos que quieran navegar por reflexiones intimistas de los personajes, pero no para el espectador que espere un filme con altas tensiones dramáticas o emocionales.

‘Bliss’: Un drama que oscila entre la redención y la mentira

Escrito por Angel Galindo

Estrenada mundialmente el pasado 19 de enero en el festival internacional de Slamdance en Park City en Estados Unidos, ‘Bliss’ es el final de una trilogía elaborada por el director Joe Maggio que toca el tema de la redención, la adicción y el engaño como ejes centrales de su historia.

En esta tercera entrega, los espectadores siguen el personaje de Virgil Bliss (interpretado por Clint Jordan), quien ha tomado la identidad de Dwayne, un limpiador de establos para eludir sus deudas con la justicia y ocultar su adicción a las sustancias opioides vive con Amy, (Interpretada por Faryl Amadeus) una mujer adicta y sin futuro que va de trabajo en trabajo sin rumbo fijo ni oportunidades, generando una relación basada en la adicción y la decadencia como una forma de sobrevivir las tragedias personales que el espectador irá develando poco a poco a largo de los primeros minutos del metraje.

Sin embargo, cuando Amy muere de una sobredosis, Dwayne decide esconder su cadáver en el desierto temeroso de ser culpado por su muerte y se abstrae más en el mundo de las drogas, hasta que la hermana de Amy aparece de repente buscándola y comienza a cuestionar a Dwayne sobre el paradero de su hermana.

Bajo esta premisa, el director Joe Maggio, abre toda una serie de dilemas éticos y morales en tono moderado, con una sutil música incidental, donde mediante recursos minimalistas y un arco dramático claustrofóbico poco a poco va develando que detrás de la apariencia amable de Jo hay todo un infierno interior de una mujer dispuesta a todo para saber la verdad sobre lo que paso con su hermana y muestra también que tras la adicción y decadencia de Virgil, se esconde un hombre con un profundo vacío moral y un pasado tormentoso que lo ha conducido a la adicción.

Por lo tanto, esta producción logra generar una tensión dramática de bastante profundidad con el pasar de los minutos con elementos cargados de simbología como el aislamiento de los personajes, la manera oculta en que las adicciones surgen en cuartos cerrados y momentos de intimidad, así como la incomunicación tecnológica de sus protagonistas que son elementos que usa el director para denotar la desconexión que tienen estos personajes con el mundo que los rodea y la soledad que los sobrecoge dentro de sus propios entornos emocionales.

Así que los amantes del cine independiente pueden tomarse su tiempo para profundizar en una historia que a pesar de sus limitaciones en cuanto a su ejecución y desarrollo al final logra generar interesantes preguntas y giros temáticos en los espectadores.

‘The Only Girl in the Orchestra’: Una mirada a la pasión por la música clásica.

Hasta el próximo 26 de noviembre se llevará a cabo en la ciudad de Nueva York, específicamente en el sector de Village East, el festival de cortometrajes documentales, con producciones internacionales de todo tipo y por supuesto como una estrategia para apoyar a toda una serie de nuevos realizadores de este género.

Dentro de las producciones que se podrán observar esta ‘The Only Girl in the Orchestra’, un cortometraje dirigido por Molly O´Brien, el cual se presentará en el teatro Village East, Angelika el próximo miércoles 15 de noviembre a las nueve y cuarto de la noche. Esta producción, hace un recorrido por los últimos años de la carrera de Orin O’Brien hasta su retiro, esta artista fue la primera mujer en ser contratada tiempo completo para tocar el contrabajo por la Orquesta Sinfónica de Nueva York, y quien fue catalogada por el genio musical Leonard Berstein como ‘un milagro’, debido a su talento y capacidad de entrega a la hora de brindar sus capacidades a toda la orquesta.

Bajo esta premisa este cortometraje documental lleva al espectador a conocer la intimidad de una pionera, que a pesar de haber sido hija del famoso actor George O’Brien, siempre vio en la música clásica como una forma de lidiar con el divorcio de sus padres, sus problemas emocionales y sobre todo encontrar su propio camino, entregándose a un arte donde sabía que lo podía dar todo siendo parte de un equipo.

De igual manera, la audiencia puede tener un retrato íntimo de esta interprete clásica a través de su testimonio, sus fotografías, sus amigos, estudiantes y colegas quienes se vuelven personajes secundarios en su narración personal, pero que en cada escena muestran sin ideologías ni radicalismos, el recorrido de una vida dedicada a entender, amar y valorar el violonchelo no solo como un instrumento sino como una parte integral de su vida como artista.

Sin embargo, lo más valioso de este cortometraje documental es permitir al espectador tener una mirada personal e íntima a una interprete que siempre prefiere el anonimato, pero que en esta ocasión muestra con sutiles lagrimas que a pesar de haber dejado atrás su vida como parte vital de la Orquesta Sinfónica de Nueva York, tiene mucho potencial que dar a sus estudiantes y conocimientos que brindar sobre su vida a quienes se lo soliciten.

Por ende, esta producción es altamente recomendada para aquellos que amen el verdadero arte de la música, y se sientan vinculados con la vida de una persona ejemplar que ha dedicado su vida al oficio sin la necesidad de posar como una gran estrella, ofreciendo con sus años de experiencia un gran profesionalismo que esta latente en sus clases y busca demostrar que por encima de cualquier condicionamiento particular, el talento y el trabajo duro junto con el amor por el conocimiento aún pueden ser claves para dejar una huella en la historia de la música clásica.

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‘The Arc of Oblivion’: Un documental sobre la fuerza de la memoria.

Escrito por Angel Galindo.

La versión virtual del Festival Internacional de Cine de Camden llega a su fin y que mejor que aprovechar los últimos días hasta el lunes 25 de septiembre para disfrutar de un nuevo documental ‘The Arc of Oblivion’ del joven director Ian Cheney.

Esta producción que cuenta como productor ejecutivo al recordado director alemán Werner Herzog  (‘Aguirre la ira de Dios’, ‘Fitzcaraldo’), explora el sueño de Ian Cheney de construir en una parte de la tierra de sus padres una ‘arca del olvido’, donde escritores, poetas, científicos, investigadores e incluso vecinos y amigos depositen sus memorias más valiosas para que puedan sobrevivir a la furia del tiempo, siguiendo de una manera contemporánea los pasos de Noe y Gilgamesh en las mitologías hebreas y babilónicas.

Para lograr este objetivo, el divide su documental en siete capítulos, separados con divertidas recreaciones en stop motion de los objetos donde tanto las personas como la naturaleza guarda sus recuerdos, es así como un pequeño televisor a blanco y negro, los cajones de un closet antiguo, los movimientos de las rocas pasan ante los ojos del espectador para separar cada uno de los segmentos de esta historia.

Sin embargo, lo más apasionante de este documental es observar como su director viaja desde Maine, en Estados Unidos hasta Majorca, España para hablar con el espeleólogo Bodgan Onuc para descubrir que las rocas, los arboles e incluso el guano de los murciélagos son herramientas de la naturaleza para preservar sus recuerdos, para mostrar que todas las criaturas de la tierra tienen en esencia alguna forma de guardar sus memorias.

Asimismo, Cheney le da voz de una manera amena, divertida que va desde la melancolía hasta la anécdota a vecinos y amigos como David Banner, carpintero y vecino de toda la vida de sus padres, hasta periodistas como Bryan Palmer e incluso su padre del director Bryan Cheney, para que cuenten frente a la cámara lo que ellos buscan preservar de sus vidas y del mundo para la posteridad.

Finalmente, este viaje titánico y lleno de historias cuestiona a partir del testimonio del cosmólogo Chris Impey como el principio de la entropía finalmente se llevará para siempre cualquier intento de alcanzar la eternidad mediante la preservación de los recuerdos, pero también le recordara al espectador la importancia de mantener vivo de cualquier forma todos aquellos momentos que hacen profundo el paso por la tierra de cada criatura viviente en el planeta. Por consiguiente, Cheney logra que en hora y treinta y tres minutos de una manera motivante, divertida y llena de contrastes que cada uno de los espectadores recuerde que sin importar el método elegido para preservar los recuerdos, estos siempre serán el único testimonio de la existencia después de la muerte, siendo una labor de aquellos con el alma suficiente de preservar hacia el futuro la memoria de quienes hoy están pero mañana también serán rastros efímeros en la historia de la vida y la naturaleza.

‘GRASSHOPPER REPUBLIC: Un documental sobre la supervivencia’

Escrito por Angel Galindo.

El aclamado director del documental ‘This is Congo’ (2018), Daniel McCabe regresa con su nuevo trabajo ‘Grasshopper Republic’ , que fue nominado como mejor documental en el Festival Internacional de Camden que en su versión presencial terminó el pasado 16 de septiembre, pero cuya edición virtual será posible apreciar hasta el 25 de este mes.

Este documental se adentra en el viaje de Siraje un ugandés cazador de saltamontes que se adentra en las selvas de su país con su grupo de compañeros para conseguir la cantidad de estos insectos que les permita no solo sobrevivir sino hacer un buen dinero para resistir hasta la siguiente temporada de gestación de estos insectos.

Sin embargo, junto con las experiencias de este grupo de cazadores, McCabe logra también generar en el espectador construir el imaginario del saltamontes al mostrar en apartados de este documental los procesos de nacimiento y captura de estos insectos, haciendo un paralelo entre los esfuerzos por la supervivencia que enfrentan tanto Siraje como los insectos que caza para sobrevivir ofreciendo un punto de vista imparcial sobre como presa y cazador hacen lo posible por tratar de lograr su objetivo de supervivir en una naturaleza hostil, moldeada por el avance de las ciudades pero también por la brutalidad que tiene el mundo natural.

Por lo tanto, este documental no busca centrarse en mirar con belleza o admiración épica el mundo natural sino mostrar como tanto el hombre como la naturaleza que lo rodea hacen sus esfuerzos por supervivir mientras el mundo a su alrededor cambia constantemente y exige más de todos para continuar con vida, para resaltar esta lucha el compositor Robert Aiki Aubrey construye una banda sonora inquietante, que cada vez que entra en escena mueve al espectador a reflexionar sobre la constante lucha que tanto la humanidad como la naturaleza construyen cada día para sobrellevar la existencia y tener el éxito de estar vivos un día más.

De igual manera este documental logra sutil e indirectamente ofrecer un panorama de la situación social y política de Uganda, donde zonas marginales no sienten ni les importa el vaivén de los cambios políticos ya que solo requieren obtener el dinero que les permita proveer sus hogares otro día más, así los hombres de Siraje se exponen a lesiones, llagas y sacrificios extremos para sobrevivir mientras los saltamontes mueren y viven en brutales cantidades para llegar a ser solo un medio para la supervivencia de este personaje y sus compañeros de cacería.

Por consiguiente, ‘Grasshopper Republic’ es un profundo e íntimo documental hiperrealista que se concentra en mostrar un retrato directo, humano, descriptivo y alejado de los convencionalismos para dejar hablar a sus protagonistas, darles una voz y dejar que sea el espectador quien se concentre en seguir las aventuras, dificultades, tragedias y triunfos de una presa y un cazador que solo hacen lo necesario para sobrellevar un entorno natural que los lastima pero también les permite lograr el milagro de una temporada más de existencia en el mundo.

‘Odd Hours, No Pay, Cool Hat’ : Un documental sobre los héroes de verdad.

Escrito por Angel Galindo

El próximo 27 de julio se lanzará en plataformas digitales el estreno exclusivo de ‘Odd Hours, No Pay, Cool Hat’, un reflexivo documental que muestra el lado humano de tres grupos de bomberos y rescatistas voluntarios en California, Maryland, New York State y Virginia.

Esta  producción dirigida por Gary Matoso y Cameron Zohoori, muestra una mirada fresca a la vida, esfuerzos y motivaciones de tres grupos de rescatistas y voluntarios, enfocándose primero en la promoción del 2022 de los voluntarios de Washington State, presentando al espectador una mirada intima, honesta de los esfuerzos, sacrificios y motivaciones de quienes deciden dedicar sus vidas a detener el avance del fuego, rescatar a personas en accidentes e incluso apoyar a jubilados de zonas aisladas de los Estados Unidos.

Adicionalmente, este documental le da un rostro y una voz a voluntarios como Hugh Jacobson y Aaron Lerer para que cuenten frente a la cámara sus experiencias, sus esfuerzos y la manera como sus familias y amigos los ven al tener que combinar su vida profesional con su labor como rescatistas y bomberos. También, Matoso y Zohoori logran un retrato humano, lleno de matices de los instructores del equipo de entrenamiento de Washington State y las dificultades que ellos tienen al brindar sus conocimientos a los nuevos reclutas.

De igual manera, ‘Odd Hours, No Pay, Cool Hat’ se enfoca en los riesgos y peligros que los entrevistados enfrentan en su profesión, los sacrificios personales que deben hacer para dar sus vidas por las personas victimas de un incendio, un accidente o una emergencia médica, haciendo que las audiencias se sumerjan en las intimidades del mundo de diferentes historias de bomberos y rescatistas de diferentes partes de Estados Unidos, así como mostrando su valor y decisión en el campo de acción, mostrando como el heroísmo de las personas comunes puede ser verdaderamente inspirador para sus comunidades.

Por último, cabe destacar su apasionante edición, donde el espectador recorre acompañado de diversos testimonios que se entrecruzan, la preparación de una nueva promoción de voluntarios con las historias de bomberos y rescatistas de cuatro pequeñas ciudades de Estados Unidos, dando un contexto profundo de como personas comunes y corrientes sin revanchismos políticos, sin autoproclamarse paladines de una hipócrita justicia social, en verdad apoyan y rescatan de adversidades tan coyunturales como un incendio, un accidente o una emergencia por salud a miembros de su comunidad sin ningún interés adicional al dar su tiempo por las personas en problemas de sus propios entornos. Por lo tanto, ‘Odd Hours, No Pay, Cool Hat’ es una propuesta novedosa que invita a la solidaridad sin los efectos de la radicalización política y social que el mundo occidental esta viviendo.

‘Corvine’: Un corto animado sobre como encontrar una forma de lidiar con una obsesión.

Aunque el festival de Tribeca ya terminó, hasta el 2 de julio los amantes del cine independiente pueden encontrar en la plataforma de Tribeca at home la mayoría de las producciones que se exhibieron en el festival.

Un ejemplo de lo que los cinéfilos pueden encontrar es ‘Corvine’ dirigido por Sean McCarron, ofrece mediante la animación, una controvertida de visión de como lidiar con la problemática de una obsesión mental en los niños.

Este cortometraje de once minutos de duración cuenta la historia de un chico que vive en un área rural y quien se siente totalmente obsesionado con los cuervos hasta el punto de interactuar con ellos de todas las formas posibles e imaginarse así mismo como uno de ellos, sutilmente alentado por sus vecinos, una pareja de ancianos que le brindan apoyo a pesar de las dificultades de su decisión.

Bajo esta premisa, el director Sean McCarron opta por llevar a su pequeño personaje a una colisión con la realidad de su existencia al enfocar el punto de giro de la historia a su primer día de colegio, lugar donde sus compañeros de clase le recordaran la fuerza de la realidad y el pequeño deberá enfrentarse a sus propios temores.

El punto central de esta historia es mediante un manejo del color, la animación tradicional y el silencio de los personajes, buscar representar la obsesión del joven y su lucha con la realidad que lo rodea,  haciendo que los cinéfilos más apasionados recuerden ‘Alas de libertad’ de Alan Parker, como el referente más cercano a la obsesión con las aves, pero que ahora en ‘Corvine’ se centra más en la inmadurez de un un niño que vive atrapado entre sus deseos y las realidades que tiene el mundo. Por lo tanto, esta historia puede estar abierta a diversas interpretaciones y debe verse con la mente bastante abierta para que los controversiales símiles que McCarron quiere lograr puedan interpretarse de la manera más sensata posible, siempre bajo la perspectiva de que la lucha entre la realidad y la obsesión es una latente humana que se encuentra en lo profundo de todas las personas y ante la cual los niños no son ajenos a percibirla.

‘To my father’: ‘Un cortometraje sobre el coraje de la familia en la adversidad.

Escrito por Angel Galindo.

El festival de Tribeca 2023 ha abierto sus puertas y hasta el próximo 18 de Junio tendrá lo mejor del cine independiente tanto para quienes puedan acudir a Nueva York en este verano como para aquellos amantes del cine que quieran suscribirse a su plataforma Tribeca on demand, donde podrán ver en línea algunas de las producciones más relevantes del festival.

Entre las que cabe la pena reseñar esta ‘To my father’ del director Sean Schivanolin, este profundo cortometraje documental cuenta la historia de la relación entre el actor ganador del Oscar a mejor actor de reparto por ‘Coda’ en el 2022 y su padre, el jefe de policía de Westwood Arizona, quien infortunadamente pasó los últimos quince años de su vida en una silla de ruedas debido a un trágico accidente de tránsito.

Esta producción de veinte minutos aborda desde el testimonio de Troy, quien es una persona sorda, el inmenso cariño que tuvo por su padre, la inspiración que este le brindó para estudiar actuación, su ejemplo para sobrevivir las dificultades y lo duro que fue para este actor perder a su padre en uno de los tiempos más difíciles de su vida.

Lo más valioso y profundo es que el espectador gracias a una poderosa música incidental, recreaciones de los momentos más emocionales de las vidas de Troy y su padre una conexión con una historia de una persona que fue capaz de derribar sus limitaciones para lograr no solo una posición en el mundo de la actuación sino también respetar el ejemplo de honestidad y humanidad que era su padre para él.

Así que este cortometraje logra con maestría, mediante una fotografía vivida, sobria y una narración emotiva sin caer en la exageración o el sentimentalismo conectar la historia de un hombre como Len Kotsur, que a pesar de todas las limitaciones logró sacar a su hijo adelante y darle las bases que le dieron el actual reconocimiento que tiene Troy en el mundo del cine. Por lo tanto, ‘To my father’ es también la oportunidad que indirectamente utiliza el actor Troy Kotsur de homenajear la tenacidad de los padres del mundo entero, que se esfuerzan por brindar un homenaje a sus hijos, darles lo mejor de su esencia para que ellos sepan lidiar con las dificultades y así no alcancen el éxito deseado al menos puedan ser un ejemplo de que la masculinidad y el coraje son lo que hace a un hombre y a un padre un titán en un mundo corroído por el caos y la desesperanza.

‘Memories For Life: Reversing the Alzheimer´s’ : Una nueva esperanza para el Alzheimer

Escrito por Angel Galindo.

De acuerdo con la organización mundial de la salud, más de cincuenta millones de personas en el mundo sufren de Alzheimer y otras demencias cognitivas en el mundo, y tan solo en los Estados Unidos hay cinco millones de pacientes que viven la tragedia de ver como esta terrible enfermedad día a día devora lo más preciado de sus mentes, sus propios recuerdos, a la vez que sus familias ven como esta pesadilla elimina el alma de sus seres queridos.

Ante esta realidad, el cine no se ha quedado atrás y el nuevo documental del director japones Hideyuki Tokigawa, que se estrenará el próximo 17 de Junio en el Festival de cine de Manhattan su documental ‘Memories For Life: Reversing the Alzheimer´s’ que retrata la lucha del doctor Dale Bredseen para demostrar la validez de su nueva teoría para mejorar la condición de las personas con Alzheimer a partir de un cambio radical en sus hábitos de vida, aplicado a cada paciente de manera individual desde una perspectiva holística basada en un tratamiento de los diferentes factores que destruyen la sinapsis del sistema nervioso de las personas que padecen esta enfermedad.

Bajo esta premisa, Tokigawa, apoyado en la narración del cantante Michael Bubblé hace un retrato humano, intimo e incluso esperanzador de los pacientes que se han beneficiado de esta terapia, mostrando como esta teoría los ha ayudado, los sacrificios que han hecho para recuperar su vida y la manera como la lucha contra esta enfermedad continua.

Así mismo, este documental presenta los esfuerzos del doctor Bredseen para lograr unas pruebas clínicas que les permitan probar sus teorías y aplicar esta aproximación individual en muchos más pacientes, no solo en los Estados Unidos, sino también en la apartada villa de Miyagi en Japón, donde un granjero busca con esfuerzo recordar las memorias más placenteras que tuvo con su padre, pero que no puede traer a su memoria por ser víctima de esta enfermedad.

Sin embargo, el gran valor de esta producción es mostrar con respeto, profundidad e intimidad los esfuerzos del doctor Bredseen por demostrar sus teorías, la manera como este científico ha develado algunos de los secretos de esta enfermedad, sus contradicciones ante el enfoque de la mayoría de otros expertos que se centra en solo un aspecto de la enfermedad que desde un punto de vista farmacológico, olvidando otros factores igual de relevantes que podrían ayudar. y abrir un debate mediante diversas voces de la ciencia como el profesor Lawrence Steirman sobre la manera en que el Alzheimer destruye la capacidad cognitiva de los pacientes que padecen esta destructiva enfermedad. Por lo tanto, ‘Memories For Life’ logra presentar con objetividad y emotividad una perspectiva de tratamiento novedosa, denotando no solo sus beneficios sino también sus limitaciones e infinitas posibilidades para aquellos pacientes que estén dispuestos a tomar el riesgo de cambiar por completo su estilo de vida para recuperar su memoria.

‘Trials to Triumph: Un documental sobre el triunfo ante la adversidad’

Escrito por Angel Galindo.

Dirigido por Dan Ratner, Greg Romano y Misa García, ‘Trials to Triumph’ es un documental testimonial que muestra el lado humano del deporte y las dificultades que un atleta profesional enfrenta para lograr el éxito en un medio tan competitivo como lo es el futbol americano.

La historia de este documental testimonial gira en torno a las dificultades que la estrella del futbol americano y emprendedor logra superar el arresto de su padre por tráfico de drogas, la lesión de su espalda y las dolorosas circunstancias de su infancia en Bartow, Florida para convertirse en un ejemplo para su comunidad y otros atletas como Neno Torres de Republica Dominicana o el experto en entrenamiento Tyrell Lyons.

Es así que esta pieza audiovisual maneja un lenguaje visual ciento por ciento testimonial, dejando fluir las historias de sus protagonistas, acompañadas únicamente por algunas imágenes de archivo y una tonada de piano incidental para lograr con el paso de los minutos transmitir un mensaje directo que puede ser apreciado por aquellos que amen las historias de desarrollo emocional y quieran ver mediante el uso de testimonios de vida una alternativa para lidiar con las dificultades que ofrece la latente cotidianidad.

Por consiguiente, desde este dos de mayo en las diferentes plataformas de video por demanda en los Estados Unidos, ‘Trials to Triumph’ es la oportunidad de acercarse a la vida de un emprendedor del mundo del deporte y escuchar de la voz de sus amigos, conocidos e incluso su psicólogo y terapista, los testimonios de sus luchas, dificultades y también grandes satisfacciones y logros, acercando a los espectadores a la vida de un afroamericano que no se limitó solo al mundo del deporte como una forma de salir de las calles, sino que vivió en la redención personal una oportunidad de rehacerse como ser humano y empezar tanto su propio negocio como su familia con su prometida Dasia Torres.

Así que para los amantes de las historias de autosuperación y testimonios de la vida real, este documental es la excusa para sumergirse por una hora y media en los relatos de un deportista y emprendedor que gracias a la dedicación y la adaptación ha sido capaz de mantenerse a flote en el mundo del emprendimiento y el deporte estadounidense.